5 Shows, 94 Schauspieler, 450 Kostüme: Emilio Sosa kleidet den Broadway

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Mit zwei Nominierungen für den Tony Award in einer einzigen Staffel lässt dieser produktive Kostümdesigner Textilien die Geschichte erzählen.

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Von Darryn King

Während der Pre-Broadway-Aufführung von „Good Night, Oscar“ im Goodman Theatre in Chicago war die Schauspielerin Emily Bergl dem Personal als „die Dame im Kleid“ bekannt.

Als June, die Frau des in Schwierigkeiten geratenen Erzählers und Pianisten Oscar Levant, trägt Bergl ein Blumenkleid und einen passenden Mantel aus Chartreuse. Das Kleid strahlt die Energie einer Leinwand von Jackson Pollock aus – Schwarz und Narzissengelb auf schimmerndem Silberbrokat, handbemalt, um den perfekten Glanz für die Bühne zu erzeugen. Es sticht aus dem Meer tadelloser Anzüge dieser Show hervor.

Bergl nennt es das Kleid.

„Ich diskreditiere meine Leistung in ‚Good Night, Oscar‘ nicht, wenn ich sage, dass das Kleid die halbe Arbeit erledigt“, sagte sie.

Als Bergl den Mann hinter dem Kleid, den Kostümdesigner Emilio Sosa, zum ersten Mal traf, sagte er zu ihr: „Die Kleidung von June Levant ist eine Rüstung.“

„Ich wusste sofort, dass er die Figur vollkommen verstand und dass ich in guten Händen war“, sagte sie.

In einem kürzlichen Telefoninterview sagte Sosa: „95 Prozent meiner Arbeit besteht darin, den Schauspielern zuzuhören. Sie müssen Ihre Schauspieler aktiv in das Kostüm einbeziehen, das sie tragen werden.“

In dieser Saison hat Sosa 94 Schauspieler für fünf Broadway-Produktionen in 450 Kostümen eingekleidet. Für sein Kostümdesign erhielt er zwei Tony-Nominierungen, für „Good Night, Oscar“ und „Ain’t No Mo‘“, eine Satire über das zeitgenössische schwarze Amerika. Er entwarf auch Kostüme für die Wiederaufnahmen von „1776“ und „Sweeney Todd“ und war neben Annie J. Le für die Entwürfe für das Neil Diamond-Biomusical „A Beautiful Noise“ verantwortlich.

Es war ein schwindelerregendes Durcheinander an Looks, von eleganten Anzügen bis hin zu Pailletten, von Kleidern aus der amerikanischen Kolonialzeit bis hin zu Crayola-Farben im Camp.

Als Sosa am beschäftigtsten war, arbeitete er an drei Shows gleichzeitig und schlief durchschnittlich drei Stunden pro Nacht. Er folgt einer Maxime, die er schon früh von seinem Mentor Geoffrey Holder, „The Wiz“-Regisseur und vielseitiger Kulturfigur, übernommen hat: „‚Sag zu allem ‚Ja‘ – und finde dann heraus, wie es funktioniert.““

Sosa, 57, beschreibt sich selbst – mit einem ironischen Augenzwinkern, er möchte es klarstellen – als eine über Nacht entstandene Sensation, die seit 30 Jahren entstanden ist. Sein Broadway-Debüt gab Sosa 2002 mit Suzan-Lori Parks‘ „Topdog/Underdog“. Seine zweite Broadway-Show, für die er seine erste Tony-Nominierung erhielt, war „The Gershwins‘ Porgy and Bess“ im Jahr 2012.

Sosa nahm 2010 und 2012 auch am Reality-TV-Wettbewerb „Project Runway“ teil. Diese Erfahrung verdankt er dem Aufbau des Selbstvertrauens, das es ihm ermöglichte, sich und seine Entwürfe zu präsentieren.

Dazwischen gab es viel „Hektik, Kämpfe und den Versuch, seinen Lebensunterhalt zu verdienen“, darunter auch jede Menge Arbeit im regionalen Theater. „Ich war ein gebrochenes Kind mit einer harten Erziehung“, sagte Sosa. „Aber ich habe herausgefunden, dass mich in den Künsten niemand schlagen kann. Also habe ich das entwickelt. Daraus entsteht der Antrieb.“

Wenn es etwas gibt, das Sosas vielfältige Projekte gemeinsam haben, dann könnte es sein begeisterter Umgang mit Farben sein. „In meiner Kultur als Latino haben wir keine Angst vor Farbe“, sagte er.

Eine seiner frühesten Erinnerungen ist die Farbe Blau. Sosa und seine Familie wanderten im Alter von drei Jahren aus der Dominikanischen Republik nach New York City aus und flogen mit Pan Am von Santo Domingo aus; Sosa liebte das Blau des Logos der Fluggesellschaft.

„Blau war die erste Farbe, mit der ich eine Emotion oder Erinnerung verknüpft habe. Ich erinnere mich an das Logo, die Farbe des Teppichbodens, den Geschmack des Essens, die Uniformen der Flugbegleiter. Diese Farbe ist mir immer in Erinnerung geblieben.“

Sosa wuchs in den 1970er Jahren im Fort Apache-Viertel der Bronx auf und war – inmitten des „Chaos und der Zerstörung“ – fasziniert von den Farbschimmern in ausgebrannten Wohnhäusern. „Man konnte die Innenwände sehen“, sagte er, „da die Hälfte des Gebäudes verschwunden war.“

Sein Vater arbeitete als Super- und Handwerker; seine Mutter arbeitete in einer Kunststofffabrik. Er stotterte, konnte nicht Baseball spielen und hatte Schwierigkeiten, sich anzupassen.

„Ich hatte nie das Gefühl, dazuzugehören, ich hatte nie das Gefühl, dass ich richtig aussehe, ich hatte nie das Gefühl, dass irgendetwas an mir richtig war“, sagte er. „Aber dann versuchte eine meiner Lehrerinnen mit Kunst, mich aus meinem Schneckenhaus herauszuholen. Sie drückte mir einen Buntstift in die Hand, und ich ließ ihn nicht mehr los.“

Mit 15 Jahren entwarf er sein erstes Kleidungsstück: eine Bluse für seine Mutter. Er kann sich immer noch den Druck vorstellen – in Gold, Braun, Smaragd, Senf –, den er in einem Stoffladen in der Nähe des Union Square erworben hat, vor dem er einst Angst hatte, ihn zu betreten. (Seine Tante, eine Näherin, nähte das Kleidungsstück; Sosa würde es nicht wagen, um seinen Vater herum zu nähen.)

Anfangs war Theater nicht auf Sosas Radar. Das änderte sich, als er während seines Modedesign-Studiums am Pratt Institute in Brooklyn einen Sommerjob bei Grace Costumes annahm, das von der Bühnenkostümistin Grace Miceli gegründet wurde. Am Ende des Tages meldete er sich freiwillig zum Fegen und blieb dabei, um Miceli und ihren Handwerkern bei der Arbeit zuzusehen.

„Es hat mir eine Wertschätzung für die Handwerker – die Macher – vermittelt“, sagte er. „Es war besser, als einen Abschluss an irgendeiner Schule zu machen. Es hieß: ‚Wir müssen dieses Kostüm bis 12 Uhr fertig haben.‘“

Nach seinem Abschluss arbeitete Sosa als stellvertretender Garderobenleiter für das Alvin Ailey American Dance Theater und gestaltete Musikvideos für SpikeDDB, die vom Regisseur Spike Lee gegründete Werbeagentur. Durch die Gestaltung von Werbespots, von denen einige nur 15 Sekunden lang waren, lernte Sosa, wie wichtig es ist, eine unmittelbare visuelle Wirkung zu erzielen. „Spike sagte mir: ‚Das Publikum muss in dem Moment, in dem es vor die Kamera tritt, wissen, wer diese Person ist.‘“

Vor allem aber fühlte sich Sosa zum Broadway hingezogen, fasziniert davon, wie ein einzelnes Kostüm Bände sprechen konnte.

„Er ist ein angeborener Geschichtenerzähler“, sagte Stevie Walker-Webb, der Regisseur von „Ain’t No Mo“. „Er verwendet Textilien statt Wörter, Silhouetten statt Sätze.“

Ein denkwürdiger Moment in „Ain’t No Mo‘“ betraf eine Figur namens Black – eine Inkarnation von Blackness, die mit einer Steppdecke auf die Bühne stürmt. Die Idee für das Kostüm entstand aus einem Zoom-Anruf mit Walker-Webb. Sosa bemerkte etwas hinter dem Regisseur; Es war ein Foto einer 150 Jahre alten Familiendecke, die von der Urururgroßmutter des Regisseurs genäht und über viele Generationen hinweg weitergegeben wurde. Mit diesem Bild als Keimzelle wurde die Figur laut Walker-Webb „zu einem lebendigen, atmenden Pastiche der Geschichte und Kultur der Schwarzen“.

„Es sind diese Sensibilität und Neugier, die Emilio zu einem unschätzbar wertvollen Mitarbeiter machen“, sagte er.

Es gibt noch ein weiteres Projekt, das Sosa sehr ernst nimmt: die Verbesserung der Vielfalt hinter den Kulissen. Im Jahr 2021 wurde er zum Vorsitzenden des American Theatre Wing gewählt, einer gemeinnützigen Organisation, die aufstrebenden Theaterkünstlern berufliche Entwicklungsmöglichkeiten bietet. Er beobachtet aufmerksam das Springboard to Design-Programm, das Studierende aus Gemeinden fördert und betreut, die in der Theaterdesignbranche unterrepräsentiert sind. „Sie treffen andere Kostümbildner, die wie sie aussehen“, sagte er. „Wir brauchen mehr Farb-Bühnenbildner, mehr Farb-Lichtdesigner. Ich versuche immer, junge Kinder dazu zu bewegen, in diese Abteilungen zu gelangen.“

So beschäftigt Sosa auch war, es war für ihn auch ein Jahr des Lernens. „Ich musste wirklich tief graben, mich wirklich konzentrieren und mein Spiel steigern, nur um meinen Zeitplan zu überstehen“, sagte er. Wenn ein intensiver Zeitplan die neue Norm ist, ist er bereit, dafür zu sorgen, dass es klappt.

„Flugzeuge, Züge und Autos. Busse, Parkbänke. Ich könnte mitten auf dem Times Square zeichnen, wenn ich müsste.“

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